Un Soggiorno da Bauhauser

 

 

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Art Hotel, una delle tendenze più in voga e forse anche più riuscite degli ultimi anni nel campo dell’Hotellerie: caratterizzare gli spazi con complementi di arredo ispirati da opere di Maestri del Contemporaneo o vere e proprie creazioni artistiche site-specific. Parallelamente, anche i B&B si impreziosiscono proponendo una forma di ospitalità diversa, più autentica, che comunica visivamente tramite il proprio genius loci.

 È  ciò che è accaduto al Bauhaus di Dessau, anonima città post-industriale nell’area orientale della Germania, trasformatasi negli anni ’20 in una vera e propria Mecca per gli appassionati di architettura modernista, oggi sede di un B&B di design. Il Concept è proprio quello della Scuola tedesca di architettura per eccellenza ( che  operò anche a Weimar e Berlino prima che il movimento nazista ne ordì la chiusura): l’arte, l’artigianato e la tecnologia,  teoria e  pratica,  unificati in un’opera d’arte totale, la Costruzione. 

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A metà strada tra bottega artistica e laboratorio artigiano, progettata da Walter Gropius e completata nel 1926 come “manifesto costruito”, scuola pubblica e democratica dove allievi e docenti studiavano, vivevano e lavoravano insieme. Malgrado la sua breve vita, divenne punto di riferimento fondamentale per tutti i movimenti d’innovazione legati al razionalismo e al funzionalismo. Dessau è stata la prima località nella quale il Bauhaus ha potuto realizzare il suo programma non solo di corsi, ma anche di costruzioni. L’edificio, con la sua caratteristica cortina di vetro,  include anche la Preller – Haus dov’erano un tempo gli ex alloggi per studenti e i loro balconcini sporgenti , indicanti all’esterno la suddivisione in piccole unità abitative. Queste camere sono ora disponibili per 40 euro a notte.
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Per molti fanatici e/o nostalgici del Movimento Moderno, è un sogno che si avvera: trascorrere una notte nella “Casa della costruzione” , erede delle avanguardie pre-belliche e del Werkbund( lega tedesca artigiani), un’ associazione di architetti interessati a sperimentazioni urbanistiche  organicamente inserite nel contesto sociale ed economico. Dopo la caduta del muro di Berlino, l’iconico edificio è stato aperto al pubblico come museo prima, e da circa due anni  come bed & breakfast, offrendo la possibilità di vivere per qualche giorno come gli studenti che vi soggiornavano quasi un secolo fa, con bagni, servizi e ristorante comuni. Il restauro è stato effettuato in maniera fedele, grazie al ricorso ad immagini fotografiche dell’epoca e a ricostruzioni varie.Le 28 camere sono tutte dotate di sedie Wassily e scrivanie in acciaio firmate Marcel Breuer. Semplici e spartane, ma particolarmente luminose, grazie alle ampie vetrate.Per chi desidera un soggiorno più esclusivo, le cinque Suite (a partire da 60 euro), un tempo destinate ai residenti più illustri della scuola, sono  personalizzate con arredi su misura progettati dai loro ex inquilini, tra cui Joseph Albers e gli architetti Franz Ehrlich e Alfred Arndt.

Portare l’educazione artistica fuori dalle accademie,  i Maestri e gli apprendisti del Bauhaus furono figure di spicco della cultura europea dello secolo scorso, la cui esperienza didattica  ha inciso sull’insegnamento artistico e tecnico fino ad oggi. Questa nuova destinazione  inserisce l’edificio nelle tappe di un “Grand Tour” contemporaneo, favorendo la memoria storica di un luogo che non può essere dimenticato.
AnnaChiara Della Corte
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Vogue 100: Timeless Style

 

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100 years: a milestone birthday. Vogue, the monthly magazine for Fashion (and beyond)  celebrates its first century of British edition at the National Portrait Gallery ( London)

Vogue 100, a Century of Style: over 280 shots, taken from Condé Nast archives, published from 1916 to nowadays.

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“My hope is that the visitor will go back home with the assurance that Vogue is so much more than just a fashion magazine or clothing. It is a cultural barometer of our times. ” Explains the exhibition’s curator Robin Muir.

In addition to original prints, the works of photographers such as Cecil Beaton, Lee Miller, Norman Parkinson, Avedon, Irving Penn, Helmet Newton, and Mario Testino, the show displays  dozens of portraits of  Hollywood stars of the Fifties, up to those of the nineties supermodels, including “naughty girl from Croydon”, Kate Moss, British pride, almost deified for the exposure.

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The photographers of Vogue are not just  big names of the fashion world, they are big names in photography. ” Says Alexandra Shulman, the current editor in chief of Vogue, “we are always interested in new talents, in addition to the already established personalities.”
In fact we see the evolution of photography from the beginning of the last century, when the covers were almost artistic posters, to the glossy cover of today. And so,  in the same show: artistic photos where the subject almost disappears in the beauty of dream landscapes or in the complexity of a make-up, portraits of Royals (Princess Diana, in primiis), or even the Beatles, from style icons  as Twiggy, to the Supermodel Naomi and Claudia and the more “pop” ones Uma Thruman, Gwyneth Paltrow and Keira Knightley.
Also men, icon of British elegance,such as  Rupert Everett and Hugh Grant.
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Until May 22 it will be possible to take a trip in the history of the style, looking at the evolution of a mega brand like Vogue, which by 1996 already boasted an impressive website. Communicate through images,  through the video: indeed, the exhibition opens with a mega wall screen projecting the most influential divas of the moment .

This knockout exhibition may look like it’s primarily for those interested in fashion, but looking back on it, I can hardly remember any fashion in the sense of something someone might actually wear. It’s all about storytelling, image-making and personalities. On this showing, Vogue is about selling dreams rather than selling clothes. But that probably always has been the ultimate essence of fashion.

AnnaChiara Della Corte

 

Spring is here, at The Royal Academy

royalAcademy.jpgSpring has arrived early at the Royal Academy of London: a triumph of Monet and his passion for gardens “blossomed” at a young age and “cultivated”( pardon the pun) until his last days in Giverny, for the exhibition “Painting the Modern garden”, inaugurated last January 30 and open until April 20th.

But the father of Impressionism was not the only one to adore green spaces: the exhibition brings together masterpieces by other great Masters such as: Renoir, Cezanne, Pissarro, Manet, Sargent, Kandinsky, Van Gogh, Matisse, Klimt and Klee, presenting an overview of the garden from modern times to contemporary.

An ascending climax that never fails to make us shine eyes, bathed in the colour and light of more than 120 works.
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A little far from  Oxford Street and Piccadilly Circus, ( jungle)  you will have  the privilege of strolling among the most sensual gardens ever portrayed,  the quiet (if you do not visit the exhibition at rush hour) and beauty. A unique opportunity to admire a sort of temporary London Orangerie .
monetIf in the “modern” section  the style is quite conformed to the Impressionist techniques, it is interesting that the same subject – the garden- is represented in so many different ways, almost contrasting, by contemporary authors. Just think of “the rose marble table” by Matisse, to notice the total de-structuralization of a natural element like the flower, or the Garden cottage of Klimt, whose recognizable pyramid shapes revoke the one of the most famous “kiss” of the twentieth century.matisse.jpg
Curated by Ann Dumas and William Robinson, the exhibition is studied in detail: juxtapositions of colors, subjects, including alternate sequences of poppies, roses, chrysanthemums, nymphs, and even a room with a real mini-greenhouse, circumscribed by manuals on gardening placed in elegant glass showcases.
gardenThe three-part panorama of water lilies reunited for the first time in decades at the end of this show is so overwhelming – magnificent. The bank has gone. All you see is water, flower, foliage, reflection, light, on and on, round and round. There is no up or down, no end to the beauty of these constellations of colour in liquid space and air. Monet’s garden is beautiful beyond measure: his field of vision is limitless.
A true oasis of peace  in the heart of the City, it would deserve a visit even just for this reason.

 

The Gagosian Gallery of London celebrates Avedon and Wahrol

gagosian3.jpgThe English critics defined it “effortlessy cool” , bringing together the iconicicity of Andy Warhol and the style of Richard Avedon in one exhibition, indeed, can only lead to a successful outcome.

Larry Gagosian. the contemporary art shark, bets on two bigs of the last century for the namesake impressive gallery of Britannia Street, London, where he boasts two other spaces, in Mayfair. Where else?

My camera and I, together we have the power to confer or to take away.

-Richard Avedon

They always say That Time changes things, but you actually have to change them yourself.

-Andy Warhol

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The exhibition opens with these two quotes of its protagonists, both rose to prominence in postwar America with parallel artistic output that occasionally overlapped. Their most memorable images are icons of the late twentieth century.

Many are the reasons why Gagosian chose to pair the two artists, often parallel not only in time.

minelli-review-warhollPortraiture was a shared focus of both artists, and they made use of repetition and serialization: Avedon through the reproducible medium of photography, and in his group photographs, for which he meticulously positioned, collaged, and reordered images; Warhol in his method of stacked screenprinting, which enabled the consistent reproduction of an image. Avedon’s distinctive gelatin-silver prints and Warhol’s boldly colored silkscreens variously depict many of the same recognizable faces, including Jacqueline Kennedy, Marilyn Monroe, Rudolf Nureyev and the self portaits of the artists themselves.

The new trend in the Contemporary Art is to stop using the captions, but in this case – due to the celebrity of subjects and authors- we won’t miss them.

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Both came from modest background, but soon have tremendous commercial success working for major magazines in New York. The 1960s marked artistic turning points for both artists as they moved away increasingly from strictly commercial work towards their own mature independent styles. The works in the exhibition, which date from the 1950s through the 1990s, emphasize such common themes as social and political power; the evolving acceptance of cultural differences, and the glamour and despair of celebrity.

Meanwhile the other two London spaces of “art broker”, (which boasts galleries in the world’s best hot-spots), not surprisingly nicknamed “Larry Go-Go,” display the German Albert Oehlen and the American Harmony Korine. But if you are around Mayfair, take the opportunity to admire the Master of Bronze, Arnaldo Pomodoro, at Tornabuoni Gallery, and Piero Manzoni at Mazzoleni. Here, once in a while, we can feel proudly Italians.

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Roxy in the box, il Rock travestito da Pop

RoxyinTheBox.jpg“La scatola è la mia casa, la mia testa, il mio cuore, il mio ventre.” Rosaria Bosso, in arte Roxy in the box, è un’artista ed una donna complessa: eterogenea ma mai difficile , Roxy non si nasconde. Per parafrasare un verso di Whitman(niana memoria): contiene moltitudini.

Rifuggendo da qualsivoglia etichetta, utilizza il pop come strumento ma con un sapiente occhio critico. Fino ad approdare lo scorso autunno alla Street Art con “ Chatting” : una chiacchierata (neanche tanto) immaginaria con 18 iconici personaggi legati al mondo dell’arte, politica, letteratura , tutti dipinti ed incollati ai muri dei quartieri spagnoli (di Napoli naturalmente) seguendo la tecnica della poster art.

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Da Pierpaolo Pasolini a Marina Abramovic, passando per Amy Winehouse e Martin Luther King fino ad arrivare alla Gioconda e Frida Kahlo, nuovi illustri inquilini popolano i Quartieri , e fanno compagnia alle signore che hanno l’abitudine di prendere il caffè fuori casa – i caratteristici e folkloristici “vasci”. Una sorta di metateatro, quasi un progetto antropologico.

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“La street art è stata una necessità, un forte bisogno di comunicare verso l’esterno in tutti i sensi. Non pensavo di ricevere tanta attenzione, ma la cosa che mi gratifica di più è che la gente comune, spesso quella non educata all’arte, mi ferma e mi ringrazia per quello che faccio. Prima di scendere per strada mai nessuno mi aveva ringraziato per quello che avevo fatto.”

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Roxy, ti ho sentito dire che il Pop per te è la “crosta” della nostra società, puoi spiegarti meglio?

“Il pop non risparmia nessuno. Solitamente ha un linguaggio semplice, colorato, apparentemente leggero e fruibile a tanti. A volte snobbato e trattato con superficialità da chi invece usa o ama un linguaggio completamente opposto.

Se dovessi immaginarmi il pop, lo immaginerei come un grande parco giochi dove ci sono delle giostre bellissime e dove in tantissimi vorrebbero salirci, dietro di loro quelli che con una faccia un po’ disgustata restano a guardare la giostra e quelli che ci salgono su.”

Il pop è sociale, in quanto popolare.

L’arte di Roxy sembra vivace e ironica, ma sottende una velata malinconia. Ha dichiarato: “ Il colore copre il mio nero”. Spesso ha indagato temi difficili che poi ha ricoperto con dei colori vivaci.

L’arte attraverso il corpo. La tua presenza nelle opere non è mai autoreferenziale. Raccontaci del tuo trasformismo.

“Sono la persona che conosco meglio di tutti, quindi mi uso. E poi mi piace entrare fisicamente in alcune situazioni, e il trasformismo mi permette appunto di avvicinarmi maggiormente al tema trattato.”

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Internet è il tuo terzo braccio?” Internet è la nostra seconda testa, ormai nessuno ne può fare a meno.”

Come ti rapporti alla cultura delle immagini?

“Io vivo di immagini, ferme e in movimento.

Quando entro in libreria, il mio tempo lo dedico alle copertine dei libri.

Una volta lo facevo spesso nei negozi di dischi, che soddisfazione quei 33 giri, belli grandi e quadrati, era come entrare in un museo a sfogliare opere. Youtube poi non ne parliamo.. passo ore incantata a guardare videoclip: musica ed immagini perfette insieme.”

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Il tuo rapporto con la Napoli di ieri e quella di oggi.

Il mio rapporto con Napoli è meraviglioso. Amo questa città, è la lingua che ho nella mia bocca. Questo suo ritmo frenetico e morbido mi rende tutto meno difficile da affrontare. Qui sono al sicuro, so di vivere in una città aperta dove è quasi tutto possibile se ci sai fare almeno un po’.

Chiusa ironica: alla mia domanda, “può ancora un artista essere locale?” Roxy risponde:

Per me di locale sono rimaste le trattorie e le pasticcerie, da non sottovalutare mai!

 

 

 

 

 

 

 

 

DUE ANNI DI ARTOROOMS, LA START-UP DEL CONTEMPORANEO

 

TEAMARTROOMS.pngArtrooms è l’intuizione di tre manager, italiani doc, ognuno col proprio background e percorso professionale, messi al servizio di un innovativo spazio virtuale (e non) dove condividere un diverso modo di vivere l’arte contemporanea.

Tutto ha inizio nell’ ottobre 2013 al Master di Amministrazione Aziendale del Politecnico di Milano. Qui Giuseppe Autorino e Giuseppe D’Aniello, che diverranno presto CEO e CFO della start-up, elaborano il primo progetto di lavoro e nel mentre conoscono Diego Ciotola, artista emergente : l’ incontro si rivelerà determinante ed insieme i futuri soci indagano limiti e potenzialità del  mondo dell’arte e la sua fruizione, dalle aste alle gallerie.

I circuiti sembrano essere molto chiusi e circoscritti ai “soliti noti” giri di grandi nomi, ambiti dai collezionisti e portati avanti da un entourage di esperti mercanti e galleristi. Ecco che allora si fa chiara la necessità di digitalizzare l’arte, creare una vetrina per quel segmento di mercato che non si vede rappresentato da curatori o spazi espositivi esclusivi.

A metà strada tra l’e-commerce ed uno spazio creativo dove divulgare arte contemporanea, nel Gennaio 2014 nasce Artrooms.

Prendono forma delle stanze d’arte online che gli utenti possono percorrere e rendere vive , scegliendo il loro pezzo d’arte preferito con un click : “Noi puntiamo l’attenzione sulla percezione di bellezza, sul trasferimento di emozioni, e questi aspetti riguardano ogni persona, senza necessità di trovarsi di fronte a un esperto o un collezionista.” Afferma il CEO Giuseppe Autorino.

arki-star-2013-200x200dittico DI MASSIMO DIVENUTO.jpgDemocratizzare l’arte contemporanea, mettendo gli artisti al centro, ed escludendo intermediari ed escamotage commerciali speculativi: l’opera va dal laboratorio dell’artista alla porta del compratore, assicurata, e con il rilascio di una certificazione digitale che ne attesta l’autenticità e la proprietà.

Per facilitare l’acquisto, pensate che Artrooms ha messo a punto persino un app che consente al potenziale compratore di riportare l’opera esposta online su parete, per scegliere la sua collocazione più adatta. Nulla di più facile e pratico.

Non solo vendita, ma anche noleggio: liberare i pezzi d’arte dalle “gabbie” dei magazzini, farli viaggiare, ammirare in luoghi di prestigio o nell’ufficio del futuro acquirente. Il famoso rent to buy.284.151005.121002_12023087_10207852260254571_515979525_n DI LUCIA SCHETTINO.jpg

Ma facciamo un passo indietro. Come funziona Artrooms?

La caccia agli artisti è affidata agli Arthunters,  che in qualità di esperti, selezionano le opere che arricchiranno le stanze d’arte online . Ad ognuno di loro viene riconosciuto un fee che corrisponde a una percentuale del fatturato. L’arte è assoluta protagonista: ad oggi oltre 250 artisti e 1900  opere, tra sculture, fotografie e quadri di artisti emergenti ed affermati. La forza rivoluzionaria del progetto è data dalle innovative tecnologie sviluppate al suo interno, non a caso il CEO è un ingegnere.

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Atrooms continua a porsi nuovi sfide e lancia la prima “call” per artisti denominata “Different point of view” , finalizzata alla promozione e valorizzazione dell’Arte Contemporanea. Il tema è un oggetto, comunemente concepito per essere statico: la sedia.  Interessante sarà dunque conoscere le diverse interpretazioni di tale oggetto , solo apparentemente banale.

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I 50 progetti scelti dalla giuria saranno esposti in mostra a Milano durante il fuori salone del mobile 2016 , dal 12 al 17 aprile.

La collettiva , organizzata in collaborazione con MiLoft Concept, sarà allestita negli spazi SOLARI 11 – BISLERI 1881 che per l’occasione apriranno le porte al pubblico. I 50 progetti realizzati saranno inoltre messi in vendita su Artrooms.it,  e diverranno protagonisti del catalogo che racconterà la storia di “Different point of View”. Per saperne di più: http://www.artrooms.it/call-for-artist.html.

 

Ultima novità, non di certo per importanza, Artoroom offre ora la possibilità non solo di acquistare o noleggiare online, ma garantisce anche un servizio di organizzazione e gestione di un evento d’arte a 360 gradi. Basterà dunque affidarsi alla maestria del team di Artlovers per avere un pacchetto completo.

Finora il riscontro per ArtRooms è stato più che positivo: nei due anni appena scorsi, le opere e gli artisti aumentano sempre più,  il successo si consolida tra fiere, manifestazioni e gallerie di prestigio. Motivo di vanto per una start-up  orgogliosamente partenopea, segno che Napoli non smette di essere florido bacino di menti creative.

AnnaChiara Della Corte

 

NOT TO MISS: GLI APPUNTAMENTI FIERISTICI DI INIZIO 2016

A cavallo tra fine gennaio e inizi febbraio, appassionati e collezionisti di arte moderna e contemporanea rimandano i loro rilassanti w-end in montagna per partecipare alle maggiori fiere di settore.

bdcimageAppena conclusasi la London Art Fair (dopo Frieze, la più grande fiera di arte moderna e contemporanea del Regno Unito) che sceglie come location il Business Design Centre nel super trendy Upper side della City.

Insieme a una serie di eventi come talk e performance, la fiera è stata divisa per quest’edizione in tre sezioni – The main fair, L’art project e Photo 50, per un totale di 126 gallerie.

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Lo spazio più interessante è proprio quella fotografico, Photo 50 : cinquanta sguardi sulla fotografia contemporanea, attraverso la mostra “Masculin Feminin ”, curata dall’italianissima Federica Chiocchetti, un viaggio che spazia tra luoghi comuni, satira e romanticismo, riecheggiando il nome della storica pellicola di Jean-Luc Godard.

 

Collateralmente , all’interno del Melià White House di Regent’s Park, si è tenuta la seconda edizione del nostro omonimo progetto “ARTROOMS” , una fiera internazionale per artisti indipendenti, che per 4 giorni trasformano le camere del lussuoso albergo , nel cuore di Londra, in veri e propri stand.

Artrooms , ideato da Cristina Cellini Antonini e Chiara Canal e co-diretto da Francesco Fanelli, vuole dare spazio ed espressione agli artisti rimasti fuori dalle barriere dei soliti circuiti del Contemporaneo. Nomen omen verrebbe da dire, simili per etimologia ed anche per intenti!

Arte-Fiera-Bologna.jpgMa adesso è l’ora di tornare in Italia, più precisamente a Bologna: sta per iniziare ARTEFIERA la più importante fiera italiana d’arte moderna e contemporanea che quest’anno entra negli ‘anta. 40 anni di Fiere, 190 gallerie da tutto il mondo partecipano a questa specialissima edizione accompagnata da anteprime, mostre extra e un ricchissimo programma culturale che coinvolge l’intera Bologna. Dal 29 gennaio al 1° febbraio, oltre 70 eventi in più di 40 sedi.

A dare il via alle danze, l’anteprima italiana di River of Fundament, l’ultimo progetto del visionario artista americano Matthew Barney, un film-opera che fonde cinema, teatro, musica, performance e scultura; news dell’ultim’ora una performance-omaggio a David Bowie del coreografo e danzatore Lindsay Kemp. Dai maestri del ‘900 alle nuove generazioni, il tutto in scena in tre padiglioni (uno in più rispetto alle scorse edizioni) e cinque sezioni, fra cui una dedicata interamente alla fotografia, linguaggio sempre più di in voga tra i collezionisti. Ma la vera protagonista dell’edizione 40 è l’arte italiana che, oltre a predominare in fiera, espone in città, divisa tra la Pinacoteca e il MAMbo.

ArteFiera 40, a cura di Giorgio Verzotti e Claudio Spadoni, mette in luce i protagonisti e l’evoluzione della ricerca artistica nel nostro Paese dagli anni Settanta a oggi: a Bologna hanno vissuto personalità come Morandi, Fontana, Spalletti o Paladino – e continuano ad animarla giovani emergenti. Proprio per loro è stato pensato SetUp Contemporary , fiera nella fiera, che rivolge l’attenzione agli artisti meno conosciuti. SetUp sta ad indicare infatti le intenzioni del progetto: “predisporre le operazioni per il successivo avviamento di un sistema”. La scommessa è mettere in moto un nuovo processo per ripensare il sistema arte.

logo-Setup-Contemporary-Art-Fair-2016-A4_33587_18462_t.jpgIl format di SetUp è pensato per far interagire le tre figure chiave del sistema dell’arte contemporanea: artista, curatore/critico, gallerista. Per questa ragione gli aspiranti espositori presentano un progetto curatoriale con almeno un artista under 35 ed un testo critico di un curatore under 35.

Spinti dalla convinzione che si possa ancora generare una sana “economia della cultura”, il comitato scientifico (Giuseppe Casarotto e Silvia Evangelisti, ex direttrice di ArteFiera) valuta i progetti di singoli artisti che dimostrano coraggio di mettersi in discussione.

L’inverno è ancora lungo, ma non si smette di mercanteggiare, solo qualche settimana di pausa, ed è già alle porte “Mercanteinfiera” , dal 27 febbraio al 6 Marzo a Parma. Da segnare in agenda tra i next step dei nostri itinerari artistici. Valigie leggere, mi raccomando, potremmo tornare con un pezzo da collezione sottobraccio.